Francisco Gil

Contemplações

Francisco Gil

Damien Hirst, em caixa de vidro

O controverso pintor, escultor e artista de instalações Damien Hirst é um dos artistas contemporâneos de maior sucesso comercial do mundo. Um dos principais membros do grupo de arte pós-modernista do Reino Unido, conhecido como Young British Artists, ganhou destaque na década de 1990 pela sua série de animais mortos preservados e a flutuar em formaldeído (formol). Influenciado por Francis Bacon, as suas obras mais famosas de arte vanguardista incluem A Thousand Years (1989), uma caixa de vidro com larvas e moscas a alimentarem-se da cabeça de uma vaca em decomposição; The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living (1991), um tubarão-tigre num tanque de vidro com formol e For The Love of God, um molde em platina de um crânio humano do século XVIII coberto com diamantes no valor de 15 milhões de libras. As duas últimas obras exemplificam o uso que Hirst faz dos "objectos encontrados" como arte. Também é conhecido pelas suas "pinturas giratórias", feitas numa superfície circular rotativa, e pelas "pinturas pontuais", que consistem em filas de pontos ou círculos de cores aleatórias.

Nascido em Bristol em 1965, Hirst cresceu em Leeds com a mãe e o padrasto. Não sendo um brilhante estudante, pois chumbou na maioria dos exames. Frequentou o Leeds College of Art and Design, embora tenha sido rejeitado na sua primeira candidatura. Depois mudou-se para Londres, onde trabalhou durante dois anos em estaleiros de construção antes de ser aceite, na sua segunda candidatura em 1986, no Goldsmiths College of Art da Universidade de Londres para um curso em Belas Artes.

Enquanto estudante, trabalhou numa casa mortuária, o que terá influenciado o seu interesse pelo tema da morte. Começou também a desenvolver uma reputação de ativista incansável na promoção da sua arte. Em julho de 1988, Hirst organizou "Freeze", uma exposição de arte estudantil num bloco desativado gerido pela London Docklands Development Corporation (LDDC), que também patrocinou a exposição. Entre os visitantes de prestígio da exposição encontrava-se o colecionador de arte multimilionário Charles Saatchi. A exposição de Hirst consistia num conjunto de caixas de cartão decoradas com tinta de uso doméstico.

Após obter a licenciatura pela Goldsmiths College of Art em 1989, Hirst começou por participar numa série de exposições de arte de menor importância. A sua primeira grande participação ocorreu em 1990, quando (juntamente com Carl Freedman e Billee Sellman) organizou duas exposições "armazém", denominadas "Modern Medicine" e "Gambler". O milionário e colecionador de arte, Charles Saatchi chegou à segunda exposição no seu Rolls Royce e – segundo o que consta – ficou muito impressionado quando viu a instalação de Hirst, A Thousand Years, uma grande caixa de vidro na qual larvas e moscas se alimentavam dos restos em decomposição da cabeça de uma vaca. Saatchi comprou imediatamente a peça, dando assim início a uma longa e frutuosa relação comercial entre mecenas e artista.

Primeira exposição individual
Em 1991, Hirst realizou a sua primeira exposição individual "Dial, In and Out of Love", um evento que teve lugar numa loja vazia de Londres e foi organizado por Tamara Chodzko. Seguiram-se outras exposições individuais no Institute of Contemporary Arts, em Londres, e na Galeria Emmanuel Perrotin, em Paris. Além disso, a Serpentine Gallery acolheu "Broken English", uma exposição coletiva que apresentava a nova geração de artistas. Foi também durante este período que Hirst conheceu o negociante de belas-artes em ascensão Jay Jopling, iniciando assim outra relação comercial importante e duradoura.

A impossibilidade física da morte na mente de alguém vivo. Após a compra de A Thousand Years, Saatchi ofereceu-se para financiar qualquer obra de arte que Hirst quisesse criar. O resultado foi The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living, um tubarão-tigre conservado em formol numa caixa de vidro, que foi exibido em 1992 como parte da primeira exposição Young British Arts (YBA) na Galeria Saatchi de arte contemporânea em Londres. Hirst foi nomeado para o Prémio Turner nesse ano.

Em 1993, Hirst recebeu a sua primeira grande exposição internacional na Bienal de Veneza com a sua obra Mother and Child Divided, uma vaca e o seu vitelo, cortados em secções e expostos em caixas de vidro separadas. Em 1994, a sua obra Flock, uma ovelha a flutuar num tanque de formaldeído, foi exposta na Serpentine Gallery, em Londres. Um outro artista, Mark Bridger, entrou um dia na galeria e deitou uma lata de tinta preta no tanque, rebatizando a obra como "Black Sheep". Mais tarde, foi processado e a escultura foi restaurada.

Em 1995, Hirst foi finalmente galardoado com o Prémio Turner, mantendo o foco, através das suas obras em continuar a chocar o público. A sua escultura Two F--- and Two Watching, uma vaca e um touro em decomposição, foi proibida em Nova Iorque por receio de "vómitos entre os visitantes".

Em 1997, participou na Exposição Sensation na Royal Academy com outros jovens artistas britânicos como Tracey Emin e Marcus Harvey. A Thousand Years e outras obras de Hirst foram incluídas. A exposição causou muita polémica, nomeadamente quanto ao verdadeiro significado da arte. No entanto, demonstrou que os YBAs faziam oficialmente parte do establishment.

Durante o resto da década de 1990, a popularidade das obras de Hirst continuou a crescer. O tema da vida e da morte continuou a permear a sua produção. À semelhança do artista Andy Warhol (e não muito diferente dos antigos mestres de grande impacto artístico, como Miguel Ângelo, Giovanni Bellini e Ticiano, e de pintores barrocos como Peter Paul Rubens), Hirst expandiu o seu estúdio e contratou assistentes para o ajudarem a produzir as suas obras, especialmente as pinturas de arte. Este facto deu origem a controvérsias sobre a autenticidade de algumas das suas obras. De facto, ele próprio admitiu ter pintado apenas cinco das suas pinturas "Spot" porque "não me apetecia fazê-lo". Descreveu os seus próprios esforços como "merda" e que uma das suas assistentes, Rachel, era muito melhor nisso. Afirmou que "o melhor quadro pintado por mim é um pintado por Rachel... a única diferença entre um pintado por ela e um meu é o dinheiro". Escusado será dizer que Hirst não é visto por muitos críticos de arte como um dos mais importantes pintores do século XX!

Em setembro de 2000, Larry Gagosian, um fã do artista neopop americano Jeff Koons (n.1955), organizou uma exposição individual para Hirst em Nova Iorque intitulada: "Damien Hirst: Models, Methods, Approaches, Assumptions, Results and Findings" (Modelos, Métodos, Abordagens, Pressupostos, Resultados e Conclusões). A exposição atraiu 100.000 pessoas durante 12 semanas e todas as obras foram vendidas. Em abril de 2003, a Saatchi Gallery, recentemente transferida, apresentou uma exposição que incluía uma retrospetiva de Hirst. Após esse facto desencadearam-se tensões na relação entre os dois homens, sobre quem era mais responsável por impulsionar o seu perfil conjunto. Numa explosão, Hirst criticou Saatchi, dizendo: "Ele só reconhece a arte com a sua carteira... acredita que pode afetar os valores da arte com o seu poder de compra, e ainda acredita que o pode fazer". As consequências terão destruído as perspetivas de uma Retrospetiva Hirst na Tate Modern. Além disso, pouco tempo depois, Hirst voltou a comprar 12 obras suas a Saatchi (um terço da coleção das primeiras obras do artista) que, segundo consta, proporcionou ao seu mecenas um lucro substancial, mas preservou o valor de mercado da obra de Hirst. Mais tarde, em 2003, Hirst teve uma exposição intitulada "Romance In the Age of Uncertainty" na White Cube Gallery, em Londres, com muito sucesso comercial, elevando o seu património substancialmente.

Em 2007, For the Love of God, um crânio humano recriado por Hirst em platina e adornado com mais de oito mil diamantes, foi vendido a um consórcio que incluía o artista e a The White Cube Gallery por 50 milhões libras. Em 2008, o artista deu o passo invulgar de contornar as galerias estabelecidas, vendendo obras diretamente ao público através de um leilão na Sotheby's. Os principais objetos de exposição incluíam The Golden Calf, um animal com chifres e cascos de ouro, preservado em formaldeído, e The Kingdom, outro tubarão-tigre preservado. Para além disso, a venda incluiu pinturas de manchas e borboletas, muitas das quais com diamantes e metais preciosos. Mais de 21 000 pessoas visitaram a pré-feira e todos os 56 lotes foram vendidos por um total de 111 milhões de libras esterlinas. O leilão foi um sucesso para além de qualquer expetativa e estabeleceu um recorde para um leilão de um único artista.

Artista polémico
A controvérsia em torno de Hirst tem origem em quatro questões: (1) Diferenças de opinião relativamente ao valor estético ou artístico intrínseco das suas obras de arte. (2) A utilização de materiais chocantes e sensacionalistas nas suas obras. (3) Alegações de manipulação de preços e práticas comerciais questionáveis. (4) O facto de ser extremamente rico, um dos artistas pós-modernistas mais bem-sucedidos, e sem dúvida objeto de inveja por parte de muitos artistas e críticos.

Damien Hirst foi elogiado por muitos por ter agitado o interesse pelas artes britânicas e por ter ajudado a criar a imagem de uma "Cool Britannia". Além disso, um grande número de profissionais e peritos em arte não hesitou em reconhecer a sua capacidade de comercializar obras de arte. Um título do Daily Mail afirmava: "Há mil anos que a arte é uma das nossas grandes forças civilizacionais. Hoje, ovelhas em conserva e camas sujas ameaçam fazer de todos nós bárbaros". O artista Charles Thomson, do The Stuckist Art Group, escreveu sobre as obras de Hirst: "São brilhantes e loucas – mas no final do dia não há nada." E num documentário televisivo de 2008, The Mona Lisa Curse, o respeitado crítico de arte moderna Robert Hughes atacou o trabalho de Hirst como "foleiro" e "absurdo". No entanto, apesar dos cépticos, Hirst continua a ser um best-seller e, apesar de uma rutura com o seu antigo mecenas Charles Saatchi, este último continua a ser um firme apoiante do talento artístico de Hirst.

Uma outra questão diz respeito à longevidade das suas obras e, por conseguinte, à sua reputação como artista, e – implicitamente – ao significado da arte no século XXI. O trabalho de Hirst pode ser visto como um simples reflexo da sociedade atual, que atribui uma importância primordial ao "valor-notícia". À medida que os valores mudam, é provável que a importância da sua contribuição para a arte visual diminuirá para o nível de mera curiosidade. O seu nome poderá perdurar por mais algum tempo, mas pode-se duvidar que no futuro, poucas pessoas se lembrarão das suas esculturas e instalações, agora na moda.

Quanto às suas capacidades artísticas, provavelmente são muito sobrevalorizadas pelos media. Para além disso, a sua própria visão da arte parece confusa. Por um lado, parece apoiar a noção conceptualista de que o verdadeiro ato criativo é a ideia e não o produto acabado. Por outro lado, muitas das suas obras têm títulos absurdamente pretensiosos – assinalando assim o seu significado excecional – e algumas estão embutidas ou decoradas com materiais extremamente valiosos – o que não é condizente como material da arte conceptual tradicional.

No entanto, a abordagem de Hirst à arte moderna é inteiramente consistente com um forte desejo de ganhar dinheiro e alcançar fama mundial. Por isso, em vez de discutirmos o seu nível de capacidade criativa como escultor ou pintor, elogiemo-lo pelas suas extraordinárias capacidades empresariais e pela sua contribuição única para a cena artística britânica contemporânea. As suas obras estão expostas em várias galerias contemporâneas e num ou dois dos melhores museus de arte do mundo.