Francisco Gil

Contemplações

Francisco Gil

Exposição de píxeis impressos: que maçada!

Num artigo publicado em 2014 no «The Guardian», Jonathan Jones insurgia-se contra o facto de determinadas galerias de arte estarem a expor fotografias como se de telas se tratassem. Dizia que “é estúpido ver uma fotografia emoldurada ou iluminada por trás e exibida verticalmente numa exposição [...]. Uma fotografia numa galeria é um substituto, sem alma e superficial da pintura. Colocar impressões fotográficas é um desperdício de espaço, quando os curadores podiam fornecer iPads e deixar-nos “navegar” numa galeria digital que seria facilmente tão bonita e atraente quanto as impressões caras”.

O que se questiona neste artigo não é o valor objeto das fotografias, mas sim o seu estatuto como arte. A fotografia, pese embora as suas qualidades, não sendo um objeto único resultado da ação manual e criadora do artista – é uma impressão – jamais se poderá comparar aos artefactos clássicos, únicos, pensados e realizados mecanicamente pela mão humana e de elevado valor estético reconhecido pelas elites. A fotografia é o que é. Uma representação, um mero desenho de luz, que como qualquer outro quadro pode e deve ser exposto sem soberba, em qualquer local. Se se olhar bem para a história da arte, verificamos que o conceito de exposição de quadros, para um público heterogéneo é relativamente recente. Em Portugal os museus de arte com as suas salas repletas de telas e tábuas pintadas, terão surgido há pouco mais de 100 anos. São museus abertos a todos os cidadãos para a fruição da pintura, escultura e demais artefactos provenientes de igrejas, palácios e casas senhoriais que foram expropriadas aquando da instauração do regime liberal. Salas de museu que servem também para preservar muitas das peças arqueológicas oriundas de sítios desprotegidos em risco de se perderem. Museus como mostruário do património da humanidade.

Se as salas dos museus servem para preservar e exibir peças descontextualizadas do meio para onde foram criadas, já as galerias de arte modernas são espaços especializados dedicados a exposições e à comercialização de “arte”. “Arte” tantas vezes de valor estético relativo. A fotografia, como expressão visual, também tem lugar nas galerias de arte. Seja como registo instantâneo de luz, ou como criação e manipulação para a construção de uma narrativa poética. Num mundo voltado para a informação rápida, fragmentada e efémera, a fotografia tem na sua génese a observação, a reflexão e a composição.

Se há desconforto em aceitar a exposição de impressões fotográficas numa galeria de arte, como se de telas a óleo se tratassem, imagine-se o escândalo para os mais incautos, quando galerias conceituadas disponibilizam aos visitantes, estranhas instalações com objetos do quotidiano, sem a “tal” vertente técnica e criadora de imagens consideradas “belas” desenvolvidas com a habilidade artística, dos génios da pintura mundial. Habituámo-nos a ver a arte como representação (mimesis) de algo tal qual nos é mostrado pela natureza. Vemos a arte como o produto final de um processo criador complexo, tantas vezes desvalorizado em relação ao seu resultado. Mas esse é o contexto dos antigos. No contexto atual, da arte como expressão, como refere Marlene Fortuna, a obra tem sempre anexada os estudos sobre o processo da sua criação, os chamados bastidores da criação. Ou seja, análises críticas e avaliação não só da obra acabada – “expressão final”, mas do percurso criador que deve incluir a análise da materialidade da construção, manuscritos, rascunhos, documentos de processo, materiais utilizados pelo artista para chegar ao resultado final (tinta, cor, voz, palavra, ferro, som, etc.), tentativas de acertos e erros, caos e ordem no percurso das ideias e decisões.

A arte deste tempo mais que um produto final não será um processo de criação? De forma objetiva ou relativa, mais ou menos bela, através de imagens fixas, de sons, de movimentos, a arte não é sempre uma forma de comunicação?


Atividades de primeira e de segunda categoria

A cultura e a organização dos reinos na Europa após a queda do império romano no ocidente, apesar de condicionada pelos princípios religiosos, incorporou contudo a base filosófica dos grandes pensadores das civilizações clássicas grega e romana. A formação e a educação dos jovens das classes privilegiadas, obedecia a critérios que foram consolidados ao longo dos séculos.. Pensadores como Platão (428-347 a.C.) ou Aristóteles (384-322 a.C.) elaboraram importantes reflexões sobre a importância da educação na vida social dos cidadãos.

Para Platão em "A República", a educação era primordial na formação e seleção dos mais adequados para altos cargos na administração e governo. Como opositor às correntes ideológicas que defendiam a retórica e a argumentação para o conflito como forma de liderança política e, que era principal causa da decadência de Atenas, Platão defendia a formação de governantes íntegros, onde a arte suprema era a arte de governar. Considerava no campo da educação, que as Artes Visuais eram de menor importância, porque através delas não se podia chegar ao conhecimento, já que a escultura e a pintura não eram mais do que imitações de imitações, um processo que significava copiar algo que tinha uma existência anterior.

Já Aristóteles, no seu “Tratado de Política”, refere-se a quatro ramos importantes da educação dos cidadãos: letras, ginástica, música e pintura. Estes quatro ramos completam um todo que Aristóteles considerava o mais importante para o bem-estar. No campo das artes considerava a música como uma das atividades mais propícias à boa vida, proporcionando um prazer intrínseco adequado aos momentos de lazer, bem como um meio importante para a educação cívica e moral.

As preocupações com a “educação” desde a antiguidade à idade média, aplicavam-se sobretudo, ao pequeno grupo de crianças oriundas das classes aristocráticas. Para os rudes dos reinos cristãos, bastava alguma instrução religiosa. A educação e formação dos homens livres no período medieval, baseava-se nas chamadas artes liberais, isto é, nas capacidades intelectuais em sete grandes áreas do conhecimento: a Lógica, a Gramática, a Retórica, a Geometria, a Astronomia, a Música e a Aritmética. Às destrezas técnicas e manuais, como a arte da pintura ou escultura, consideravam-se artes mecânicas, de categoria inferior.

Na Roma antiga, as artes visuais tinham uma importância social relevante, uma vez que era comum os cidadãos mais abastados recolherem peças de arte, proporcionando um elevado estatuto social aos “artistas” que estavam empenhados em fazer cópias das obras gregas mais representativas. Escultores, pintores e arquitectos para alcançar uma posição de destaque, investiam numa longa formação, como refere Vitruvius (c.70 a.C-25 a.C.) no seu tratado “De architectura”:

deve... [o arquitecto] saber escrever e desenhar, ser instruído em geometria e não ser ignorante em óptica. Ter aprendido aritmética e saber muito de história, ter estudado bem filosofia, ter conhecimentos de música e algumas noções de medicina, jurisprudência e astrologia”.

A visão hierárquica da sociedade e do trabalho, que ainda hoje é preponderante na organização social, só começou a ser posta em causa com as revoluções liberais, quando se começou a defender uma sociedade justa na distribuição de oportunidades e recursos.

Mesmo após a instauração da democracia e do liberalismo no mundo ocidental, continuam a existir divergências profundas sobre a valorização das atividades humanas. O pensamento antigo, baseado em Aristóteles, instruía-nos a pensar que alguns homens nasciam para ser senhores e outros para ser escravos; os primeiros mandavam, os segundos obedeciam. Cada um teria de cumprir o papel para o qual foi destinado pela natureza desde o momento do seu nascimento. Aos senhores, a natureza deu-lhes a razão e a inteligência – a cabeça; aos escravos a força física – os braços.

As concepções antigas na organização social, são hoje ainda responsáveis por alguns entendimentos e desentendimentos sobre a importância e o valor subjetivo das atividades humanas. No campo do ensino e da educação artística a dicotomia entre belas-artes e artes aplicadas ou utilitárias é fruto desses preconceitos sobre o status das atividades humanas, ainda condicionadas à hierarquização social. Apesar do conservadorismo dominante, para que não haja um retrocesso histórico não podemos pôr em causa o valor e a importância de todas as partes na construção de um todo, que é o conhecimento e o desenvolvimento social. Na construção de uma sociedade mais justa e a valorização de todas as suas partes deve continuar a ser portanto, o nosso foco principal.

* Desenho de Jean-Baptiste Debret, “Voyages au Brésil: Retour d’un proprietaire” (1834-1839)


A Arte da caligrafia como valor terapêutico

A palavra caligrafia tem origem no grego «kalligraphía» e que dizer escrita bela. Em Portugal, Giraldo Fernandes de Prado (c. 1530-1592) é conhecido como o primeiro autor de um tratado sobre o tema: Tratado da Letra Latina (1560-1561). Com a introdução da tipografia no século XV, os humanistas europeus, sobretudo italianos, desejaram ver impressas as suas obras com tipos desenhados com régua e compasso, numa harmonia assente em ‘proporções ideais’. Essas proporções ideais reflectiam de certa maneira, a magnanimidade do homem do Renascimento como forma de afastamento em relação aos preceitos medievais, onde as letras eram traçadas à medida do olho, seguindo os cânones da ortodoxia monástica.

A caligrafia é uma arte visual, muito associada ao desenho, consistindo no traçado regular e elegante de uma determinada forma de escrita. É a arte e o estudo da escrita à mão. Na história das civilizações percebemos que desde as placas de argila em escrita cuneiforme da Mesopotâmia (3200 a.C.), hieróglifos egípcios, ou caracteres chineses, todos eles desenvolvem uma forma de destreza motora que, idependentemente da sua função primordial: ser lida e compreendida, são antes de mais, verdadeiros desenhos esteticamente cuidados.

Se no passado a arte da caligrafia, fazia parte do currículo base da formação dos jovens aristocratas, hoje, na nossa sociedade tecnológica, a arte da caligrafia pode constituir um importante recurso para terapias baseadas na interação entre o sujeito criador, o trabalho artístico desenvolvido - a criação - e, em casos específicos, um terapeuta. O recurso à imaginação, simbolismo e metáforas enriquece os processos, desenvolvendo uma expressão emocional significativa e um maior autoconhecimento. O ato caligráfico exerce fantasia, imaginação, capacidade de abstração e capacidade de improvisação.

Por exemplo, na arte caligráfica islâmica, formada por um texto legível, sendo uma criação baseada no alfabeto árabe, é o meio utilizado para escrever o conteúdo do livro sagrado dos muçulmanos: o Alcorão. Portanto, é a arte da palavra sagrada, caracterizada pela perfeição, beleza, repetição e movimento.

Ibn Jaldún (1332-1406), historiador e teórico do pensamento filosófico islâmico diz que "a escrita são traços que desenham as palavras percebidas pelo ouvido e que expressam, por sua vez, um conteúdo da alma". A importância da arte caligráfica para os povos islâmicos é perceptível na sua máxima expressão nos diferentes edifícios sagrados e monumentos, na interiorização e busca pela felicidade e equilíbrio espiritual na relação dos crentes com Deus.

Na arte caligráfica islâmica podemos destacar valores como o toque de pena ou toque da caneta que deve ser suave para um desenho fluído e natural sem repressão, peso ou sofrimento dando liberdade ao movimento da caneta e da mão; o movimento da mão que deve ser moderado. A lentidão extrema produz um sinal deselegante, enquanto a pressa pode causar uma escrita irregular e muito desigual. Quanto maior o domínio, melhores e mais harmoniosos os movimentos. Quanto mais experiência e perfeição, mais liberdade e fantasia; a concentração também é muito importante, pois por meio dela o sujeito consegue afastar-se do mundo exterior e preparar um ambiente propício para imergir num espaço único, o dos seus sentimentos; a respiração deve ser bem controlada. O movimento traçado com a inspiração difere muito daquele feito com a expiração. A respiração influencia o traçado e caracteriza o movimento. Momentos de pausa são fundamentais para um adequado processo e resultado final.

Como terapia, a Arte Caligráfica pemite desenvolver o autocontrolo, segurança e autoconfiança, a capacidade de concentração e o desenvolvimento de uma boa respiração. Como refere a Sociedade Portuguesa de Arte-Terapia, é através da mobilização das pulsões inerentes ao processo criativo próprio e ao fazer artístico que se propicia a sua satisfação e alterações interiores. A facilitação da tais transformações significativas e integradas em tomadas de consciência pode ser importante para promover a riqueza, a vitalidade e a qualidade da vida psíquica.  

Ver mais em: https://doi.org/10.1590/S1414-98932014000100011


Amadeo: no cruzamento das vanguardas europeias


Na primavera de 1914 é declarada guerra entre as principais potências europeias. O conflito foi provocado pela crescente desconfiança e forte militarização entre a informal “Tríplice Entente” — os Aliados (Grã-Bretanha, França e Rússia) e a secreta “Tríplice Aliança” (Alemanha, Império Austro-Húngaro e Itália). Durou quatro anos e ficou conhecida como “A Grande Guerra”. Um conflito intenso, onde morreram quase 60 por cento dos intervenientes nas batalhas. Inicialmente neutral, Portugal entra na guerra em 1916 ao lado dos Aliados, depois de aprisionar navios alemães e austríacos que se encontravam fundeados no estuário do Tejo. Portugal mobilizou mais de cem mil homens para a guerra. Cerca de oito mil morreram nas trincheiras da Flandres ou nos campos de batalha em África.

Nesse ano de 1916, quando o país se mobilizava para a guerra, Amadeo de Souza-Cardoso, artista visual de Manhufe, Amarante, com 28 anos, expõe em Lisboa cento e catorze pinturas, reunidas sob o título «Abstrações». Um grande escândalo na época em que Portugal, país conservador na periferia da Europa, tinha algum pejo na aceitação das novas correntes artísticas, onde o figurativo e o academismo davam lugar a movimentos, como o cubismo ou o abstracionismo.

Amadeo, que em 1905 começara a estudar  arquitetura em Lisboa na Academia de Belas-Artes, mudou-se para Paris no ano seguinte e por lá permaneceu durante 8 anos. Viveu uns tempos no bairro de Montparnasse, estudou nos ateliers de Jules Godefroy, Freynet e conviveu com vários criadores da sua geração, tornando-se amigo de artistas como Modigliani, Robert e Sonia Delaunay. Foi o único pintor português a conhecer e conviver com os maiores pintores do seu tempo: Matisse e Braque, por exemplo.

Amadeo de Souza-Cardoso começa por ser influenciado pelo estilo arte nova. Depois experimenta um estilo híbrido em que associa essas formas lineares ao cubismo e ao futurismo, utilizando linhas geométricas curvas. É um artista de vanguarda no seu tempo o que contribuiu para algum esquecimento da sua obra e do seu valor cultural durante várias décadas. Participou no Salon des Indépendants (1911, 1912 e 1914) e em 1913 participa na primeira grande exposição de vanguarda nos Estados Unidos, o Armory Show, ampliando as suas referências ao Expressionismo alemão que terá grande influência no seu trabalho.

No início de 1918, surge uma epidemia na Europa que irá infetar e matar milhares de pessoas em todo o mundo. Ficou conhecida como “pneumónica”, a gripe provocada pelo vírus influenza H1N1. Entre setembro e novembro desse ano, chegaram ao país, milhares de pessoas retornadas das colheitas em França, além de milhares de repatriados portugueses que voltavam dos cenários de guerra. De norte a sul de Portugal, iriam morrer da doença um total de 50 a 70 mil pessoas. Amadeo seria um dos infetados, assim como várias outras pessoas da sua família.

Morreu no dia 25 de outubro de 1918 em agonia respiratória, tinha 30 anos. Amadeo fez parte duma geração que foi duplamente sacrificada: uns morreram em batalha outros caíram pela pneumónica, numa época em que a informação era escassa e as condições de vida muito severas. A Grande Guerra terminaria oficialmente às 11 horas e 11 minutos, na manhã do dia 11 de novembro de 1918.

Na década de 1980, a maioria das obras que pertenciam a particulares foi adquirida pela Fundação Calouste Gulbenkian. No museu de Arte Moderna desta Fundação em Lisboa, podemos descobrir alguns importantes trabalhos deste pintor talentoso e original, que absorveu muitas das vanguardas europeias do seu tempo e que, infelizmente, não pôde oferecer ao mundo todo o valor da sua arte. 
Ver mais em:
http://hdl.handle.net/10362/46954

* Tela e Madeira, Óleo e Colagem, Sem Título, 1917 [ Amadeo de Souza-Cardoso ] - Museu Calouste Gulbenkian, Lisboa, Portugal


Washed Up: uma instalação ambiental

Um dos grandes problemas ambientais no mundo é o excesso de lixo que é produzido. Cada produto industrial que se consome, vem acondicionado numa embalagem que invariavelmente é colocada no contentor do lixo ou abandonada algures. Apesar de nos últimos anos ter havido uma maior preocupação na reciclagem e reutilização de determinados materiais, o facto é que em muitos locais do mundo, o lixo é ainda atirado para o chão, para os rios e ribeiras, acabando no mar.

São conhecidas as enormes ilhas de plástico e microplástico que flutuam nos oceanos [nature.com]. A maior dessas ilhas, no Pacífico Norte, tem uma superfície maior que as todas as ilhas do Reino Unido. A gravidade da situação é tal, que os milhares de toneladas de lixo que formam estas impressionantes ilhas, são apenas uma pequena parte do problema, já que a maior parte do lixo existente nos oceanos acumula-se debaixo de água. Se não houver uma mudança na forma como tratamos o ambiente, em breve haverá mais plásticos do que peixes no mar.

Além do lixo que se acumula longe do nosso olhar, há o lixo que percorre milhares de quilómetros pelos oceanos entre continentes e chega ao litoral e praias de todo o mundo. São os mais diversos objetos que dão à costa e que são recolhidos pelos serviços de limpeza e voluntários, de maneira a mostrar a todos uma praia limpa de lixo visível.

Nos territórios protegidos, reservas da biosfera, a beleza natural é muitas vezes agredida com o lixo internacional que é encontrado nas suas praias. É o caso da reserva protegida de Sian Ka'an, na costa caribenha do México, património mundial da UNESCO e uma das regiões do planeta com maior biodiversidade. Em Sian Ka’an têm sido encontradas embalagens de plástico de mais de 50 países e territórios diferentes, como refere Alejandro Durán, artista visual mexicano, que usa o lixo que recolhe nas praias para produzir as suas obras e alertar para o problema do lixo nos oceanos.

Alejandro Durán, ao visitar pela primeira vez a reserva de Sian Ka’an em 2010, ficou impressionado com a quantidade de lixo que se encontrava espalhado na praia. Decidiu então recolher o lixo com outros voluntários, organizá-lo pelas diferentes cores e formatos e fotografá-lo. Ao longo deste tempo tem recolhido as mais diferentes embalagens das mais diversas origens: potes de manteiga do Haiti, garrafas de água da Jamaica, embalagens de produtos de limpeza e de beleza dos EUA, Coreia do Sul, Noruega, escovas de dentes, brinquedos, talheres de plástico, etc, etc.

Os seus primeiros trabalhos realizados consistiram na organização de grande parte do plástico recolhido, sendo que a cor preponderante era o azul. Ficou famoso o pequeno arranjo enquadrado com o céu e as águas azuis das Caraíbas: uma obra efémera e ecológica.

Com o lixo recolhido e organizado nas suas diferentes cores, Alejandro, tem organizado diferentes instalações, com um plano muito simples: usar o lixo recolhido e reutilizá-lo em diferentes instalações. O seu plano passa também por envolver as comunidades neste seu processo de arte ecológica.

Hoje, a sua intenção é simples: recolher o lixo, exaltá-lo, colocá-lo num pedestal e exibi-lo. 

Ver mais: alejandro_duran_how_i_use_art_to_tackle_plastic_pollution_in_our_oceans


A educação artística na formação geral

A partir da segunda metade do século XVIII, num período rico em mudanças, como seja a revolução industrial, a independência norte-americana, ou a queda da monarquia em França, fez com que muitos dos paradigmas vigentes se alterassem radicalmente. No mundo das artes e da expressão visual e plástica em particular, essa rutura com o passado também ocorre nesse período. As artes visuais estiveram durante séculos condicionados, sob o conceito limitado das habilidades mecânicas, num mundo fechado e imutável. É com as mudanças que ocorreram com as revoluções operadas pela industrialização e pelo declínio progressivo do antigo regime aristocrático que surgem novas filosofias e doutrinas que mudarão os sistemas de ensino na Europa. Em Portugal, as mudanças político-sociais produzem não só o nascimento do ensino público secular, mas também abrem caminho a uma valorização das chamadas artes mecânicas e, claro, à criação de um sistema público de formação artística.

Será no século XX que a educação artística se tornará uma área fundamental nos currículos da Educação Básica obrigatória. A mudança significativa ao longo do processo de modernização educativa surgiu com as novas interpretações que as questões artísticas passaram a ter em todo o sistema. A educação artística passa a não se limitar apenas à formação específica de artistas e torna-se uma área fundamental na construção da pessoa humana.

Se no contexto medieval, a formação de artistas é organizada com base na relação mestre-aprendiz, confinada à oficina e assente em pedagogias alicerçadas na destreza manual e na manutenção do gosto e valores estéticos clássicos. Com o desenvolvimento industrial e mercantilista, a formação artística irá quebrar os seus compromissos com os interesses corporativos, sai da oficina, e passa a ser realizada em aulas públicas que gradualmente ganham prestígio social, até serem integradas na Universidade na segunda metade do século XX. Todavia, quer no ensino artístico, quer no ensino geral, as pedagogias conservadoras irão manter durante muitos anos os aspetos “académicos”, centrados nos resultados finais, como intransponíveis na didática das artes plásticas e visuais.

Com a queda progressiva do regime aristocrático que ocorreu no século XIX em Portugal, para além da implementação das aulas públicas para a formação de artistas, existe a progressiva integração da educação artística no domínio da educação formal. No início, a Educação Visual e Plástica nas escolas públicas, financiada pelo Estado, tinha funções claras: a aplicação da aprendizagem à formação profissional e à indústria. Será com as mais recentes teorias, enfatizando a Educação pela Arte e a Educação Estética, onde se destaca mais do que a criação, a criatividade, mais do que o artista, o homem, e mais do que o especialista, o cidadão, que a Educação e Expressão Visual e Plástica serão constituídas como áreas inclusivas de todo o sistema educativo.

* Uma aula tradicional numa escola primária no início do século XX.


A voragem violenta das ondas

Estamos a atravessar um tempo estranho. Ou talvez não. O nosso tempo de vida é extremamente curto em relação ao tempo do universo, ou mesmo em relação ao tempo de existência do planeta Terra - cerca de 4,5 mil milhões de anos. Se imaginarmos que o Big Bang ocorreu há uns 13 mil milhões de anos, numa linha do tempo com a dimensão de 365 dias, a existência de humanos, resume-se aos últimos segundos do ano. Como referido em Génesis 3:19, somos pó e em pó nos tornaremos.

Isto a propósito das incertezas quanto ao futuro dos negócios, dos projetos, da vida que tanto gostamos de ter devidamente programada e assegurada. Em tempos de crise, são os mais aptos os primeiros a tomarem a dianteira para se adaptarem às mudanças. Grandes ou pequenos, fortes ou fracos é na capacidade de adaptação que está a sobrevivência.

Os gritos de insatisfação perante as incertezas, ou ondas de indignação que agora se levantam devido à pandemia, fazem parte da natureza humana. Ainda bem que assim é. Quer dizer que não é fácil navegar em pequenas cascas de noz que à primeira vaga se viram e à segunda se afundam. Ter alguém que nos diga por onde ir e o que fazer, requer um menor gasto de energia, mas por outro lado retira-nos boa parte da liberdade e limita-nos as escolhas. A importância de ser dono e responsável pelas nossas decisões, coloca-nos diante das incertezas e vulneráveis perante o dinamismo dos contextos onde nos situamos.

Na atividade artística o que mais prevalece são as decisões individuais e a aptidão especial para quebrar regras. Os artistas, pela sua irreverência, estão situados nas margens da normalidade social e em tempos de constantes confinamentos e receios nos contactos físicos, a atividade cultural e artística é das que mais se tem retraído. Os mares por onde navegamos, são tortuosos para todos, mas nas pequenas cascas de noz há grande dificuldade em nos mantermos à tona. Há que se reinventar e encontrar novas estratégias para sobreviver. São tempos estranhos mas também de novas oportunidades.

Mais que exigir soluções à medida dos nossos pequenos umbigos, há que repensar estratégias e adaptarmo-nos aos novos contextos de uma forma mais abrangente, onde haja lugar para todos. Claro que o mundo é injusto. Pena que essa perceção de injustiça só venha à tona quando nos toca diretamente na pele. Porventura é por isso que as injustiças continuem a prevalecer. Enquanto estivermos apenas preocupados com a nossa pequena casca de noz, até no mar pacífico dificilmente encontraremos uma brisa de vento que nos permita chegar a um bom porto.

* «O elemento humano, insignificante e perdido, encontra-se irremediavelmente submetido à voragem violenta das ondas.», Naufrágio de um Cargueiro, 1810 [ Joseph Mallord William Turner ] - Museu Calouste Gulbenkian, Lisboa, Portugal


Uma cena na praia

John French Sloan foi um pintor que se destacou a representar a Nova Iorque de inícios do século XX. Nascido e criado na Pensilvânia, EUA, onde incentivado pela família estudou desenho e pintura, desenvolveu com outros companheiros um estilo neorrealista que marcou a arte norte americana onde se destacam pinturas representando a vida cosmopolita daquela que mais tarde viria a ficar conhecida como a Big Apple.

O seu trabalho em Nova Iorque começou em 1904, tinha 33 anos. Observava e representava a cidade numa perspetiva realista, destacando quadros do dia-a-dia nova iorquino. O importante eram as pessoas e de como interagiram nos espaços públicos. Nas suas obras destacam-se cenas da rua, restaurantes, salões de beleza, pátios, etc. capturando e interpretando a essência da vida dos bairros de Nova Iorque.

South Beach é um bairro de Nova Iorque, situado na costa leste de Staten Island. Possui uma praia com o mesmo nome. Quando Sloan a visitou pela primeira vez em 1907 sabia que a mesma era frequentada sobretudo por pessoas da classe trabalhadora e não perdeu a oportunidade de a retratar, no seu ambiente humano tão característico.

A sua obra South Beach Bathers (1908), representa uma tarde na praia passada por pessoas comuns: uma mulher em pé ajeita o cabelo no chapéu enquanto interage com um grupo de amigos num piquenique algo incomum, ao jeito de Le déjeuner sur l'herbe (Manet, 1863). Incomum porque no grupo de banhistas devidamente equipados com os fatos de banho da época, está um homem vestido como um executivo saído do escritório com um caranguejo na mão. É um piquenique de cachorros quentes e caranguejos pousados num pequeno lenço estendido na areia. Não há talheres, não há bebidas, é um piquenique bem estranho que nos leva a pensar no ridículo da situação.

Ao contrário da famosa obra de Manet que pretendeu escandalizar a sociedade conservadora parisiense de finais do século XIX, esta obra de Sloan pela situação ridícula representada, mostra-nos, talvez, aquele que foi o piquenique mais exótico de South Beach com caranguejo e cachorro quente, numa amena tarde de verão.

A pintura, como a fotografia ou o cinema, permite montar quadros e cenas ao detalhe que são uma perfeita mentira, mas tão próximas da realidade que facilmente as aceitamos como verdadeiras. E o inverso também é real. Quando hoje vamos a uma praia e encontramos um grupo de amigos, uma família, usando máscaras cirúrgicas, diríamos mesmo que estamos diante de uma cena neorrealista, só imaginável na mente de um artista. Daí a beleza da arte: uma interpretação da realidade, uma mentira que é real.

* South Beach Bathers , [ John French Sloan ], 1907-1908, óleo sobre tela, 66,04 x 80,65 cm - Walker Art Center, Minneapolis, EUA


O Triunfo da Morte

Ao longo da história da humanidade, foram registadas várias epidemias provocadas por bactérias e vírus. Uma das mais antigas, talvez seja a de 430-427 a.C. em Atenas na Grécia. Mas a mais devastadora foi a chamada peste negra que no século XIV matou aproximadamente 25 milhões de pessoas na Europa.

A peste negra foi provocada pela bactéria "Yersinia pestis", comum nos ratos e transmitida aos humanos pela pulga desses animais contaminados. A proliferação rápida da peste deveu-se às más condições das habitações sem sistema de saneamento básico, reduzidos ou inexistentes hábitos de higiene corporal e a existência muito elevada de roedores nas cidades e casas, o que facilitou a disseminação das pulgas e da bactéria causadora da peste. A peste atingiu tudo e todos, quer nas cidades como nos campos, embora nas cidades, pela maior aglomeração de pessoas, tenha sido mais devastadora.

A morte, que de tempos em tempos assolava as cidades através de microrganismos invisíveis ao olho humano, fazia emergir o medo e o desespero, não por se ter chegado ao termo de uma jornada dignamente cumprida, mas por um desconhecido desígnio de antecipação de uma travessia difícil para um outro "lugar" em que a maioria não estava preparada.

A obra O Triunfo da Morte de Pieter Bruegel, o Velho, realizada entre 1562-1563, simboliza os vícios mundanos sendo esmagados pela morte, representada aqui por um enorme exército de esqueletos. A devastação atinge indiscriminadamente as várias classes sociais. Como pano de fundo, uma paisagem destruída pelas chamas sob um céu negro, representando um mundo em "apocalipse", onde árvores carbonizadas são decepadas pela morte. Na linha do horizonte, barcos em chamas afundando-se. À frente, em primeiro plano, vemos a morte varrendo o espaço outrora humanizado. O rei, nos seus últimos momentos de vida, abandona o seu tesouro e a morte, cavalgando com a sua gadanha, conduz os vivos sem qualquer esperança de salvação, para uma grande urna funerária.

Pieter Bruegel, o Velho, pintor da Flandres da segunda metade do século XVI apesar de ter viajado pela península itálica e ser um artista do renascimento, manteve sempre a sua ligação à cultura popular medieval, desenvolvendo um mundo fantástico e visionário tal como Hieronymus Bosch. Esta representaçãoO Triunfo da Morte, se bem que pode estar vinculada às guerras entre católicos e protestantes ocorrida no seio do Sacro Império Romano Germânico no século XVI, conduz-nos também às imagens da morte generalizada, provocada pelas epidemias recorrentes da Idade Média. Hoje, sabe-se que a proliferação de bactérias e vírus se dá sobretudo pela mobilidade e proximidade de pessoas em espaços reduzidos. A obra de Bruegel no contexto atual de globalização e de grandes metrópoles superpovoadas é um alerta para a necessidade de mudança de paradigma em relação ao nosso modo de vida no meio natural a que pertencemos.

* O Triunfo da Morte, [Pieter Bruegel, o Velho], 1562-1563, óleo sobre madeira, 117 x 162 cm - Museo del Prado, Madrid


O Espaço da Arte

Quando se fala dos principais atores da história, nos livros, na escola, no cinema ou na TV, o que vemos são referências a grandes figuras masculinas que terão influenciado a humanidade e a sua história ao longo de séculos. Nesse grupo de pessoas, destacam-se os cientistas, líderes religiosos, militares, políticos e filósofos. São poucos os artistas e poucas as mulheres referenciadas.

As artes, como as entendemos hoje, com a sua forte componente prática e manual, é tendencialmente considerada uma atividade menos nobre que as atividades predominantemente intelectuais.

Sendo a nossa sociedade, uma sociedade patriarcal baseada fundamentalmente em valores judaico-cristãos, onde o patriarca tinha sob seu poder a mulher, filhos, escravos e demais animais domésticos, não é de estranhar que a história se faça no masculino. O masculino visto como força física e mental, poder, coragem, agressividade, centrado na figura do homem másculo e viril.

Não se estranhe assim que predominem nos livros oficiais, os homens como as grandes figuras da humanidade e que mais influência tiveram na sua história. Michael H. Hart em 1978 no livro A Ranking of the Most Influential Persons in History apresentou uma classificação das pessoas mais influentes da história e nenhuma delas é uma mulher.

Em Portugal, foi só após a instauração de um regime liberal no século XIX que foi possível uma mulher – em 1889 – concluir um curso superior na universidade. Na questão do direito de voto, só em 1911 uma mulher pôde votar em Portugal, após requerimento para tribunal, onde obteve sentença favorável.

Na religião, nas ciências e nas artes, os livros estão cheios de nomes masculinos que fazem parte do nosso imaginário na liderança e nas vanguardas. As mulheres dificilmente tiveram um espaço de destaque na história antiga da humanidade.

Nas artes plásticas, em Portugal, e no período anterior à revolução liberal do século XIX, conseguimos encontrar um nome feminino: Josefa de Óbidos, a pintora do século XVII que se especializou nas naturezas mortas e que foi uma rara exceção à regra, quebrando muitos dos cânones de uma sociedade conservadora, ao estabelecer-se profissionalmente como pintora. Foi só no século XX, que viriam a destacar-se outros nomes como Aurélia de Sousa (1866-1922), Vieira da Silva (1908-1992), Menez (1926-1995), Maluda (1934-1999), Paula Rego (1935) e Graça Morais (1948), entre outras. Recentemente temos assistido ao grande impacto mediático de Joana Vasconcelos cuja obra assenta na apropriação, descontextualização e subversão de objetos pré-existentes e realidades do quotidiano.

Nos tempos atuais, devido à globalização e à maior abertura social e cultural da nossa sociedade, outras mulheres têm desenvolvido atividade artística na área plástica e visual, revelando grande capacidade criativa e particular sensibilidade estética.

Um dos casos mais interessantes é o de Susana Piteira, que tem trabalhado sobretudo a pedra, com intervenções sobre o território, seja rural ou urbano. Um dos aspetos mais salientes na sua obra, é a profundidade na definição das formas, onde o objeto artístico ganha uma forte dimensão poética, revelando interessantes cumplicidades com o meio onde se inserem.

É neste contexto, de diversidade e igualdade de oportunidades, que é estimulante olhar o mundo e os outros – na sua singularidade – e valorizar a expressão livre e a intervenção nos diferentes contextos, sem preconceitos nem amarras.


Artes na escola para quê?
Francisco Gil

A educação garante a apropriação colectiva dos instrumentos do conhecimento, o desenvolvimento de competências de autonomia de aprendizagem, sentido crítico e criativo e a participação cidadã.
Lei de Bases do Sistema Educativo

No século XIX quando se pretendeu criar uma escola pública para todos os moços e meninos (1), muitas vozes se insurgiram, perguntando o que seria deste país se toda a gente soubesse ler, escrever e contar. Quem iria lavrar as terras? Quem iria plantar as batatas?

Nessa altura, no tempo dos reis e das rainhas, mais de 75 por cento da população portuguesa não sabia ler nem escrever. Os ofícios aprendiam-se sobretudo com familiares. Desse modo, a criação de escolas primárias no país em todo o século XX, serviu para dar às crianças, não só a instrução – os conhecimentos, mas também uma educação para o desenvolvimento de competências. Depois, surgiram as escolas comerciais e industriais e o ensino superior politécnico, visando a formação de profissionais nas diferentes áreas. Nas artes visuais, criaram-se as escolas de belas artes de Lisboa e do Porto, onde se ingressava com uns 14 anos de idade e cujo ensino tinha como princípio a sua aplicação à indústria.

Como em outras áreas do conhecimento, na vertente da educação visual e artística – que é um âmbito privilegiado para a contemplação, reflexão e intervenção crítica – o que se continua a fazer no ensino básico, embora por vezes não pareça porque há algumas e boas exceções, é continuar com os processos educativos do passado, porque foi com esse modelo que a maioria dos professores aprendeu.

Nas últimas décadas, sobretudo nos meios académicos, coloca-se em causa os modelos únicos de ensino-aprendizagem na educação visual, centrados em conteúdos e técnicas e, onde mais que educar e formar cidadãos autónomos e interventivos, se continua a promover um ensino muito vinculado ao antigo sistema produtivo segundo pseudo-orientações superiores.

O que importa hoje, nas escolas públicas do ensino básico, é que se fomente uma educação artística para a compreensão crítica da cultura visual e não para o ensino de técnicas e performances do passado. Esse é um desafio evidente quando se analisa alguns horários e currículos das escolas de 1.º ciclo e 2.º ciclo que de interdisciplinaridade e flexibilidade curricular têm muito pouco. Nesse aspeto, o mais preocupante talvez seja o conservadorismo e persistência dos modelos antigos por parte de alguns pais e educadores que continuam a ver a escola como uma escola do século passado: uma escola onde se preparam as crianças para a resolução de fichas, testes e exames. Então o que temos? – Temos uma escola que educa para a competição aguerrida, com classificações para tudo e para todos e que em lugar de integrar, promove a exclusão e rejeita a diversidade.

(1)  António Aleixo, poeta popular dizia que a senhora rica teve um menino, e a pobre pariu um moço.

* fotografia: Ilustração portuguesa 1912. p.669 - Uma lição de aguarela com modelo no atelier de Roque Gameiro.


A paisagem natural como elemento de fruição
Francisco Gil

Segundo os dicionários e enciclopédias, o conceito de Arte é uma atividade humana ligada a manifestações de ordem estética. Diz respeito ao que se considera ser uma criação dos humanos, quando são aplicados os saberes e o domínio teórico e prático na produção de artefactos – escultura, pintura, música, etc, para serem admirados e fruídos.

Os artistas, criadores de arte, são os autores de algo novo, original, que se destaca de outros trabalhos, pela excelência das técnicas utilizadas e pela criatividade demonstrada em relação ao comum e usual. O adjetivo criador – aquele que cria, que inventa algo novo – tanto aproxima o/a artista de Deus ou dos Deuses (os criadores de todo o universo), como ao mesmo tempo reduz a sua criação a um patamar inferior em relação à obra natural. Por exemplo, a representação de uma árvore em desenho, pintura ou escultura, pode ser considerada uma obra de arte pela complexidade das técnicas utilizadas ou pela originalidade da sua representação. No entanto, o elemento natural representado, por ser uma “criação” da natureza, é a obra original, é o modelo primordial. Este é o entendimento clássico da obra artística na representação da natureza: uma mera cópia da criação divina.

Em contraste com o antropocentrismo dominante, sensibilizados pela proteção da natureza e pela sustentabilidade, assistimos hoje, à fruição e contemplação da criação natural como se de uma exposição artística se tratasse. Em muitas regiões com paisagens naturais protegidas, existem percursos e itinerários para uma aproximação e valorização dos espaços naturais e de outros olhares para a natureza não humanizada.

No planalto do Colorado, situado no continente americano, a oeste das Montanhas Rochosas, existem algumas das mais impressionantes obras naturais formadas pela erosão. A ação do tempo: as chuvas, os ventos, as variações de temperatura formaram ao longo de milhares de anos paisagens naturais que impressionam, não só pela dimensão, mas sobretudo pelos detalhes, pela originalidade e diferença com outras formações mais ou menos comuns do espaço natural. É por isso que grande número de visitantes se deslocam todos os anos aos famosos parques naturais americanos situados no planalto, como o Antelope Canyon, Bryce Canyon, Grand Canyon, Zion, entre outros.

No Utah, perto de Moab no Arches National Park, existe um arco natural em arenito vermelho com aproximadamente 15 metros de altura e com uma forma tão interessante, que passou a ser um dos símbolos do próprio estado do Utah. Conhecido como Arco Delicado (Delicate Arch) é, de facto, uma autêntica maravilha da escultura geológica. Para se chegar ao arco há que fazer um percurso de alguns quilómetros por uma área árida, numa exigente caminhada, o que torna ainda mais gratificante o encontro com o arco natural.

Têm-nos ensinado, ao longo do nosso percurso de vida, a apreciar e fruir as mais variadas criações humanas, mas o prazer e fruição que se sente no contacto com obras naturais, fazem-nos refletir sobre a própria dimensão humana. O deslumbramento que muitos visitantes sentem e exprimem perante as paisagens naturais, são o reflexo de uma progressiva mudança de paradigma, onde se começa a valorizar cada vez mais o todo a que pertencemos e a urgente necessidade de se defender o património natural, um bem comum de todos e para todos.

(2019-09-13)


Cinco artistas em Sintra
Francisco Gil

Cinco artistas em Sintra é uma obra de 1855 da autoria de Cristino da Silva (1829-1877) que regista um país conservador, desigual, em confronto com os novos paradigmas socioeconómicos do século XIX após a chamada revolução liberal.

Na atividade artística, a norma antiga ditava que o mestre e os seus discípulos trabalhassem na oficina com base na observação de modelos à luz da vela e cópia e adaptação de gravuras. Os trabalhos, na maior parte das vezes elaborados por um coletivo, não eram assinados já que o sistema de mercado e de autor não estava instituído. A oficina de um mestre pintor, com os seus assistentes e aprendizes, era uma fábrica de peças, um centro de mão de obra para todo o tipo de pinturas e arranjos estéticos. Até 1834 o funcionamento das oficinas, dos artistas e de todos os ofícios manuais era regulado por um grémio — uma ordem profissional — que ditava quem podia ou não podia exercer a profissão. Com a instauração de um regime liberal, o grémio — chamado de Bandeira de São Jorge — foi suprimido, criaram-se as Academias de Belas Artes em 1836 e passou, em parte, a ser mais livre o exercício artístico em Portugal.

A pintura de Cristino da Silva, integrada no romantismo português, revela os novos conceitos da atividade artística no país, que abandonava pouco a pouco as premissas antigas. Neste retrato pintado, vemos os artistas no exterior da oficina no registo de observação da natureza. Vemos a sua cara, a sua assinatura. A pintura romântica, transmitia uma visão melancólica do mundo, acentuando o egocentrismo e a valorização dos contextos locais, em oposição aos registos anteriores que evidenciavam o formalismo na composição e as temáticas históricas e mitológicas, como reflexo do racionalismo dominante.

A valorização do trabalho artístico e do artista como pessoa é destacado nesta obra, onde é evidente a clivagem social entre os personagens representados. Por um lado, os cinco artistas em destaque e reconhecíveis* que olham no sentido do observador da tela e ostentam uma indumentária urbana, por outro, as figuras populares, anónimas — os chamados saloios das zonas rurais de Lisboa — que observam o trabalho artístico: um velho, uma mulher, um jovem, e três crianças.

Esta visão social, com uma evidente assimetria entre o urbano e o rural, onde uns posam para o retrato pintado como figuras principais e os outros fazem apenas parte da paisagem, resulta de uma construção social secular que promove a desigualdade. É neste contexto de rejeição ao passado, que ao longo de todo o século XX surgiram grandes mudanças sociais como a emancipação feminina, quando as mulheres reivindicaram direitos jurídicos iguais aos homens, ou a educação universal, como direito de todos e de todas.

As melhorias em infraestruturas que surgiram em Portugal no século XIX após a chamada revolução liberal, chegaram, como se sabe, bastante atrasadas em relação ao que já acontecia noutros países europeus. As primeiras estradas de terra batida (pelo método McAdam) são deste período, onde se demorava umas 34 horas de Lisboa ao Porto numa carruagem puxada por duas parelhas de cavalos. Os primeiros liceus criados em cada uma das capitais de distrito, começaram a ser instalados a partir de 1836, sendo que em Faro só foi criado por decreto em 1851.

A nova visão do mundo preconizada no século XIX, permitiu abrir novas portas para um novo contexto social que se desenvolveria posteriormente de forma abrupta e descontrolada. Hoje, no rescaldo de tantas mudanças, necessitamos ainda rever os desequilíbrios sociais e naturais que as diferentes formas de liberalismo não resolveram e que de certa forma acentuaram e continuam a acentuar.

* Cinco artistas em Sintra, de Cristino da Silva (1855). Os cinco artistas são Tomás da Anunciação, em primeiro plano, Francisco Metrass, seguido de Victor Bastos, Cristino da Silva, e José Rodrigues, sentado no chão .

(2019-07-29)


A importância dos acepipes
Francisco Gil

Quase todas as atividades humanas resultam em eventos sociais. Eventos sociais onde as pessoas combinam encontrar-se.

Não há muitos anos, um estudo concluía que a motivação principal para as pessoas se deslocarem a um festival musical, a uma feira, ou a outra qualquer festa popular, não era especificamente apreciar a atuação artística de alguém em especial, mas sim, conviver com os seus amigos, com a sua família.

Outro dia, um jornal televisivo fazia uma reportagem num dos muitos festivais de verão que se realizam por aí, perguntando a uma jovem qual a sua opinião sobre a performance de um conhecido artista musical, a que a jovem respondeu, não ter conhecimento sobre esse momento específico. Afinal, a sua presença no dito festival, servia apenas para passar bons momentos num acampamento em interação com os seus amigos.

Estar com os pares, pessoas que partilham interesses idênticos, é uma das necessidades principais de todos nós. Como hoje somos muitos, mas mesmo muitos, mais que no tempo das descobertas, é natural que hoje, 600 e tal anos depois, existam mais feiras medievais, que na dita Idade Média e, por conseguinte, mais encontros e interações.

Como nos festivais de verão, festas, feiras e quejandos que quase todos os dias são noticiados, também os eventos menos populares, mais dirigidos a determinados grupos sociais, têm como principal propósito criar as condições favoráveis ao encontro de pessoas. É por isso que o momento mais alto de uma exposição ou do lançamento de um artefacto cultural, é a sua inauguração, o encontro e a partilha. É o momento em que as pessoas se encontram para cumprimentar os artistas, para apreciar a sua obra e, sobretudo, para se encontrarem, para se verem e serem vistas.

Em Faro, há um belíssimo teatro, o Teatro Lethes, em cuja organização arquitetónica interior, há um aspeto delicioso: nas primeiras frisas junto ao palco, é mais fácil admirar a plateia e quem nela está sentado, do que propriamente o palco. Disse-me um amigo, que a posição das referidas frisas era estratégica: servia sobretudo para que determinadas pessoas da sociedade farense de então, pudessem também ver e ser vistas pelos outros em momentos culturais importantes.

É por isso que os acepipes (comidas e bebidas), são tão importantes nos eventos culturais e interações sociais. É ao redor do alimento que melhor se convive, tornando os eventos, quase todos os eventos, momentos sublimes por natureza, onde podemos demonstrar o que há de melhor em nós próprios: cumprimentar e ser cumprimentado, a pertença ao grupo, o nosso bom gosto e a particularidade da linha estética com que nos apresentamos aos nossos pares.

* Imagem do filme “Pollock” de Ed Harris: “Opening Peggy Guggenheim´s Art of This Century Gallery”.

(2019-07-02)


A beleza da Arte e a Arte sem beleza
Francisco Gil

Obras que se auto destroem ou que foram criadas para serem destruídas, instalações ou exposições de obras com discutível valor estético. Parece que este passou a ser o novo paradigma das artes visuais nos últimos anos. É certo que na antiguidade o conceito de arte era substancialmente diferente. Arte, para os antigos, dizia respeito às atividades dos nobres, sobretudo à atividade intelectual. Com a modernidade, iniciada com a chamada revolução industrial, o conceito alargou-se e começou a incorporar não só os valores estéticos, mas também outros valores, como os de mercado.

O conceito de beleza e de obra de arte, amplamente difundido em praticamente todos os manuais escolares, que repetem ano após ano as mesmas imagens, dão-nos a ilusão que a arte e os valores estéticos das suas obras se situam inevitavelmente entre Leonardo da Vinci e Salvador Dalí. Isto é, a Arte para a cultura ocidental tem sido sobretudo a produção de objetos para serem admirados e o próprio ato de contemplação.

O urinol de Duchamp, exposto hoje na Tate Modern em Londres – uma réplica de 1964 de um original comprado pelo artista numa loja de material de construção em 1917 e enviado para uma exposição em Nova Iorque que o rejeitou – marca, talvez, o início do conceito de que é mais importante a ideia da obra do que o labor do artista na sua criação. O próprio Platão, há mais de 2300 anos, também considerava que pintores e escultores se limitavam a copiar a natureza. A natureza, ela sim – para Platão – é a verdadeira obra, o resultado do ato sublime dos deuses que a idealizaram.

Quando recentemente uma obra de Banksy se auto destrói após ser leiloada, o que nos quer dizer? Uma ação de marketing devidamente orquestrada? A contestação aos princípios do mercado? A valorização da ideia em oposição à contemplação do objeto? Certo é que as vanguardas artísticas cada vez mais se afastam dos conceitos de arte, quer como objetos ditos “belos” para serem contemplados, quer como de objetos ditos “valiosos” para serem vendidos e comprados.

Hoje, cada vez mais, Arte é forma de expressão e como forma de expressão a Arte é comunicação e é tudo. Se no século XIX expropriaram e retiraram obras das igrejas e palácios para os museus, se no século XX se começaram a produzir obras para galerias comerciais, parece que todo esse paradigma se reconstrói, sem limites. Provavelmente hoje, as manifestações artísticas são uma habilidade, um jeito de comunicar, de contestar e, sobretudo, uma forma de alimentar os egos nesta sociedade consumista.

(2019-06-11)

 
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